10000Visions

10, 000 Chroniques de Disques, Lives & autres.

Matching Mole

Lundi 12 juillet 2010 à 22:04

http://10000visions.cowblog.fr/images/Pochettes/matchingmole.jpgMatching Mole - Matching Mole (1972)
Par Brieuc
  Agacé des expérimentations vécues au sein du Soft Machine, le chanteur/batteur Robert Wyatt s’écarte de ses compères pour s’attaquer à une carrière solo à partir de 1971. Il sortait un premier album solo avant-guardiste intitulé The End of an Earn (1970) pourtant très expérimental lui aussi, voire déroutant. La nouvelle idée est donc de s’orienter vers une pop rafraichissante changeant des longs instrumentaux aventureux de Soft Machine depuis Third.

Le nouveau projet qu’il aborde avec David Sinclair - claviériste virtuose ex et futur du groupe Caravan – est un groupe clin d’œil mi-malicieux et mi-ironique à son ancien groupe : Matching Mole (Soft Machine > Machine molle > Matching Mole ; vous pigez le truc ?). Avec le duo, s’accompagne de l’ex-guitariste de Delivery Phil Miller ainsi que le bassiste Bill Mc Cormick, ancien membre de Quiet Sun.

Malgré de bonnes attentions, le premier album de 1972 va finir par prendre à contre-pied ces louables intentions pop-music en accouchant d’une musique en partie instrumentale où des improvisations prennent une grande place au gré d’un Jazz-Rock très excentrique alternant passages brillants très progs sur des passages hermétiques.

« O Caroline » donne le ton de l’album, sublime chanson d’amour traversée d’une mélodie à la magie enfantine et où David Sinclair (à qui on doit l’écriture du morceau) transporte une ligne de piano antipathique sur des textes de Robert Wyatt, écrits pour son ex-petite amie.
On découvre vite que l’ensemble est étrangement à peine moins expérimental que le premier album solo de Wyatt. Seuls deux morceaux tiennent leurs promesses, à savoir le premier que je viens de vous décrire et « Signed Curtain », réellement pop et diaphanes, mais celui-ci s’appuie sur un texte totalement absurde (« Ceci est le premier couplet… Ceci est le refrain ou peut-être est-ce un pont… on s’en fout, cela ne fait pas mal »)

Robert Wyatt force carrément sa voix en incantant des phonétiques sur le morceau « Instant Pussy » provoquant un choc quant à la première piste. Et la face 1 prend sa fin sur les 9 minutes en parti improvisées de « Part of the Dance ».

La 2e face progresse avec l’omniprésence de la guitare électrique de Phil Miller qui prend le desssus dès « Instant Kitten » pour enchaîner sur une référence directe au morceau composé par Hugh Hopper (bassiste et saxophoniste des Soft Machine) sur le volume 2 : « Dedicated to Hugh, but you weren’t Listening » renforcant encore plus le caractère progressif de la chose. Pour en arriver jusqu’à le lourd Rock Expérimental « Beer As In Braindeer »…
L’album se termine sur un « Immediate Curtain » immédiatement dominée par le mellotron presque solo, Robert Wyatt se contente d’en faire un magnifique déluge 6 minutes durant illuminées par quelques touches d’orgues.

Avant même la sortie de l’album, David Sinclair (qui intellectualise vachement la musique) se fait la malle à cause du résultat, n’étant pas à l’atteinte de ses ambitions. Il est immédiatement remplacé par Dave Mc Rae (qui jouait déjà du piano électrique sur des morceaux comme Instant Pussy, Part of the Dance ou Beer As in Braindeer).

Après ça, ils abandonnent l’idée amorcée de faire de la pop, pour enregistrer Matching’s Mole Little Red Record (produit par Robert Fripp, gratteux constant de King Crimson) qui ne révèle encore moins de pop que le précédent, voire même pas du tout. Et c’est là que se termine la brêve carrière des taupes correspondantes, laissant Robert Wyatt (qui, lassé de sa responsabilité de leader, n’écrivait d’ailleurs sur le deuxième album, que de rares pauvres textes) sur sa partie solo, intégrant Françis Monkman (ex-Curved Air), Billy Mc Cormick (du coup, ex-Matching Mole…) et le saxophoniste Gary Windo. Lors d’une fête excessivement arrosée, le 1er jour de Juin 1973, Wyatt tombe du 3e étage de l’immeuble où se déroulait l’évènement. Le clouant donc dans un fauteuil roulant, dans lequel il enregistrera - la même année - son chef-d’œuvre absolu : Rock Bottom – mais ça c’est une autre histoire.

Du moins, cet album est excessivement attachant et très émouvant par moments, le genre de rock progressif qui procure beaucoup d’émotions



Matching Mole - O Caroline [5:05]

Matching Mole - Signed Curtain [3:06]

Matching Mole - Part of the Dance [9:16]


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Le Prog défini par Rock & Folk (+ Mike Oldfield - Tubular Bells)

Vendredi 21 mai 2010 à 10:48

http://10000visions.cowblog.fr/images/Autre/rockandfolk1.jpg
Ce mois-ci, la rédaction du magazine Rock & Folk s'est attaquée au Rock Progressif. Bonne initiative j'ai envie de dire, d'autant plus que leur dossier est vachement bien foutu. Il est composé d'abord d'un édito sur le Prog, où ils donnent une de ces définitions! Mais vraiment géniale, on ne peut pas mieux décrire ce tel mouvement musicale en un paragraphe. S'en suivent un article plutôt compliqué mais bien ficelé sur le premier album des King Crimson In the Court of the Crimson King (1969), qui est mon album favori de prog.

Pour finir, ils établissent une discothèque idéale concernant les albums de prog (on peut noter du Pink Floyd, Jethro Tull, Van Der Graaf Generator, Matching Mole, Caravan, Soft Machine ou encore Gentle Giant) et explore quelque peu les horizons progressifs d'aujourd'hui (avec Origin of Symetry de Muse, OK Computer de Radiohead...).
Donc le dossier est magnifiquement bien foutu, et je me permets de vous écrire les quelques lignes rédigées par Pacome Thiellement :

"Le terme Rock Progressif découle du mythe dix-neuvièmiste du progrès. C'est l'idée que, non seulement, en travaillant bien, on fera mieux que ce qu'on fait nos prédécesseurs mais que, en plus, cette amélioration est inéluctable : elle aura lieu de toute façon. C'est une hypothèse très discutable, contraire à toute pensée traditionnelle (la lecture cyclique de l'Histoire) mais éventuellement fructueuse dans le cadre d'une création artistique, ne serait-ce que comme Tonic. Concrètement, ça veut dire : Déployer des parties internes très différenciées, avec des enchaînements innatendus et des accents Free-Jazz. Confier les textes à des poètes. Faire vombrir les Mellotron et customiser les guitares pour qu'ils et elles sonnent comme des orchestres fulminant. Abuser grave de la flûte traversière pour emporter les auditeurs comme des enfants - ou des rats - loin de leur village natal... Enfin, jouer des accords imprenables dans des tempos impossibles et faire ainsi ressurgir le diable, suivi d'une tripotée de gnomes comiques et ridicules. Mais derrière ce bric-à-brac mi-médiéval mi-saturnien, quelle musique : Le Rock Prog invente une forme imprévue d'intensité, impliquée par cette nouvelle donnée de départ. L'auditeur est pris dans une transe non répétitive. Les rythmes deviennent conscients. Violons et Synthétiseurs errent comme des chiens sauvages à la surface de son âme. Les petites voix trafiquées l'incitent à un dépassement permanent. L'homme sent le morceau monter en lui et parfois s'extraire de son propre corps comme une bête de film d'horreur. Le Rock Prog veut ressembler à un elfe ou à une fée mais, dans ses meilleurs moments, c'est à un monstre boursouflé qu'il fait penser. En lui, Saint Georges mute avec le dragon qu'il comptait équarrir, et un roi apparaît, élégant et glauque, faisant la somme de leurs puissances. Ce Roi, c'est King Crimson, qui est le visage en miroir du schizophrène du 21e Siècle. Un groupe actuel aussi grandiose que Sleepytime Gorilla Museum - croisant les influences de Marinetti, de Unabomber et de Robert Fripp - en est l'indice. Nous avons encore besoin du Rock Progressif, de ses mythes hypothétiques et de ses réminiscences à la lisière du kitsch, mais surtout nous avons encore besoin de la cour, flamboyante et dévastée de King Crimson pour situer poètiquement notre place sur la Terre."
 

Si quelqu'un me définis mieux le genre, il aura un sandwich au poulet.
Donc au délà d'avoir une pochette immonde (en même temps Rock & Folk oblige malgré son contenu à contre-sens) et ses éloges de Courntey Love et Keith Richards plutôt réussies, ce dossier sur le Prog est tout simplement génial et je vous invite à vous le procurer vite fait! 

Et puis tiens si vous avez du temps devant vous: la première partie oeuvre novatrice dans le Prog de Mike Oldfield, dans l'album du titre éponyme (sorti en 1973). William Friedkin reprendra le thème pour son Exorciste.

 Mike Oldfield - Tubular Bells (Part One) [25:30]


http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/0/0d/Mike_oldfield_tubular_bells_album_cover.jpg
 

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Aqualung

Jeudi 25 février 2010 à 11:32

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Jethro Tull - Aqualung (1971)
Par Brieuc
Jethro Tull était et reste encore une bande de chevelus du rock progressif, décrivant certains aspects de la société, comme l’hypocrisie ou l’avarice tout en dénonçant la religion organisée (sectes). A l’époque, il était composé du grand Ian Anderson : chanteur, flûtiste (traversière) et guitariste acoustique (un grand artiste complet en somme, sans qui Jethro Tull ne serait pas grand-chose) ainsi que Martin Barre aux guitares électriques, John Evan aux claviers (Orgue, Piano, Mellotron), Jeffrey Hammond à la basse et Clive Bunker à la batterie.

La musique de Jethro Tull, est d’alterner des mélodies Folk avec des sonorités médiévales tout en la rendant progressive. Elle caractérise surtout par un point : les solos de flûte traversières que nous offrent Ian Anderson en plein morceau, ce qui nous rappelle vaguement les débuts de King Crimson.

Après Stand Up (1969) qui est un très bon album que j’ai hésité à vous chroniquer (car il contient de bons titres comme le classique de Jethro Tull : « Bourée ») et Benefit (1970) qui restent tous les deux dans un répertoire marqué par les origines Blues du groupe, apparaît en 1971, Aqualung. Et là, le groupe va carrément devenir un des leaders du rock populaire en ce début de décennie, alors que la concurrence est particulièrement rude.

L’album est composé en deux parties à savoir Aqualung puis My God. Ma préférée reste toujours la première. Non seulement pour ses titres différents et originaux des uns des autres. Comme le titre ouvrant l’œuvre, au titre éponyme de l’album : Aqualung, qui démarre durement par des sonorités Hard-Rock dues aux riffs de guitare de Martin Barre. Mais si on ne se fie qu’a la première minute, on n’entend pas le véritable esprit du morceau. C’est dès le 2e minute que le rythme change, et on tombe sur une ballade Guitare Acoustique/Piano où Ian Anderson murmure des paroles dans une sorte de mégaphone. Puis à la 3e minute, on passe à du vrai Jethro Tull, mélangeant les styles différents des deux premières minutes. Et le morceau dure 6 minutes trente. On nous offre un solo de guitare électrique. Dans les deux dernières minutes, on retrouve les mêmes mélodies que les deux premières mais inversées. Le morceau termine donc sur une touche ballade puis sur une touche Hard-Rock. On peut donc remarquer sa structure.

Mais la meilleure de l’album reste le second morceau Cross-Eyed Mary, qui démarre par une intro limite inquiétante par ses montées magnifiques de flûtes traversières pendant une minute. Et on passe à un génial rock digne du Tull puis un excellent solo de flûte traversière suivit d’un solo de guitare. Leur morceau le plus construit et le plus recherché musicalement

Puis après une joyeuse petite ballade Folk (Cheap Day Return) on a un morceau toujours joyeux Folk, Mother Goose mais cette-fois ci caractérisée par sa Flûte traversière omniprésente, Wond’ring Aloud toujours dans la même lignée mais sans la flûte. Et on termine la face, avec le morceau le plus jouissif de l’album réunissant Médiéval, Folk, Hard Rock avec solos de Martin Barre et de Ian Anderson à la flûte : « Up To Me » qui résume le plus le style de l’album. La première face est nettement meilleure que la deuxième, mais cela ne veut pas dire que la deuxième est mauvaise. Au contraire « My God » est très baroque voire même plus ambitieux.

Le premier morceau de la face My God est découpé comme  Cross-Eyed Mary, mais je préfère cette dernière. Même si la flûte, la guitare (façon Led Zeppelin) et le piano y sont sublimes. Puis passe à une partie quelque peu instrumentale accompagné par un cœur qualifiant son style de baroque, servant de décors à la partie flutiste. Avant qu’Ian se remette à chanter avec le style Hard du milieu de la chanson.

Très rock, très entraînant et très électrique : Hymn 43, change le genre, et finit en Crescendo. Puis après une courte ballade Folk (SlipStream), on repasse à du rock éclectique avec Locomotive Breath, un tube aux Etats-Unis. On finit l’album avec un morceau créant de manière talentueuse, un épilogue voire même une synthèse de l’album. Wind Up montrant que le groupe est dans une inspiration de tous les instants, combinant toutes les influences du groupe.

Mais cette voix ! Celle, presque nasillarde d’Ian Anderson, clamant des textes, qui se font particulièrement incisifs, riches et percutants, évoquant l’histoire d’un clochard exhibitionniste ou adressant une critique aussi féroce que judicieuse à la religion organisée et ses malsaines hypocrisies.

Ce dernier thème nourrit en fait l’essentiel du propos des 5 derniers morceaux. Certains s’empressent alors, de qualifier Aqualung (au grand dam d’Anderson), de considérer cet album comme concept qu’il ne l’est évidemment pas. Le flûtiste/chanteur écrira alors un vrai, un long, gonflé d’ambition et de complexité musicale. Thick As A Brick, un excellent album composé de deux morceaux, se traduisant par « Bête comme ses pieds ».

Quand Progressif et Médiéval font bon ménage.



Jethro Tull - Aqualung [6:37]

Jethro Tull - Cross-Eyed Mary [4:09]

Jethro Tull - Up To Me [3:15]

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Tonight's the Night

Vendredi 19 février 2010 à 18:54

http://10000visions.cowblog.fr/images/Pochettes/tonightsthenight.jpg
Neil Young - Tonight's The Night (1975)
Par Brieuc
Il y a certains artistes, que j'aime encore plus chaque jour passant. On peut compter les Pink Floyd, King Crimson, Yes mais surtout Neil Young. Il a une de ces capacités, à faire des choses différentes, changer d'humeur, de style, de voix (même si elle reste exceptionnelle à l'oreille). Ce qui donne un registre audible par tout le monde, et personne pourrait rejeter un bon vieux 33 T du old-school Neil.

"Tonight's the Night" est le sixième album solo du grand Neil, il a été enregistré à Reprise Records (sa bonne vieille maison de disques) en 1975. Après enchaîné les succès de "After the Gold Rush" ou encore "Harvest" puis après le live "Time Fades Away" issu de la tournée du même nom, la sortie de l'album "On the Beach" est remplacée par "Tonight's the night"

Mais Tonight's the night est de loin, l'album le plus noir, le plus sombre et le plus triste de Neil Young. C'est justement ce qui donne son charme. En 1974, Neil Young est choqué par la mort du guitariste de son groupe (Crazy Horse) Danny Whitten, décédé d'une overdose.
Pour la petite histoire, Neil Young savait que Danny ne serait pas bon pour la prochaine tournée qu'il organisait. Il lui a donc donné un billet de 50 dollars, pour qu'il puisse rentrer chez lui par avion. Danny achète avec cet argent, de la drogue qui le conduira à la morgue.
Comme si ça ne suffisait pas, le roadie de Neil, Bruce Berry décède d'une overdose d'héroïne dans la même période.

Perdant deux membres de son équipe, Neil Percival Young décide d'enregistrer un album à leur mémoire, pour leur rendre hommage. Il décide de nommer son album "Tonight's the Night".

En référence au morceau en deux parties "Tonight's the Night" qui se situent au début et à la fin de l'album tels "My My Hey Hey" et "Hey Hey My My" dans l'album "Rust Never Sleeps".Elle est exceptionnellement en hommage à Bruce Berry. On le remarque par ses paroles "Bruce Berry was a Working Man, He use to load Econoline Van. A Sparkle was in his eyes, But his Life was in his hands" ("Bruce Berry était un travailleur était un travailleur, il chargeait son fourgon Econoline, une étincelle était dans ses yeux, mais sa vie était dans ses mains")
Ce morceau est joué au piano par Neil Young (car non seulement d'être un brillant harmoniciste, chanteur et guitariste, c'est un brillant pianiste) accompagné par une collaboration des Crazy Horse (avec à la basse Billy Talbot et aussi Ralph Molina à la batterie).
Ces deux parties quelques peu progressives, sont réunies en une chanson, avec cette expression qui demeura dans la légende de Neil Young

J'accroche encore plus avec les morceaux suivants : "Speakin Out" où Neil Young continue à maîtriser le piano, puis on enchaîne avec "World on a String" plus dans le style Crazy Horse dans la continuité des guitares. 
Mais après la magnifique "Borrowed Tune" où Neil joue en solo, du piano tout en chantant puis en jouant de l'harmonica : "Come On Baby Let's go Downtown" morceau spécialement dédié à Danny Whitten. Elle est extraite d'un live au Filmore East, où jouaient les Crazy Horse (Ralph Molina, Bill Talbot...) et Danny Whitten y chante. J'aime beaucoup ce morceau pour son esprit Grateful Dead. Car, cette prestation et cette musique me font extremement penser à celles qu'offraient les Grateful Dead lors de leur passage au Filmore West, jouant "St Stephen". La structure musicale et les choeurs sont presques les mêmes. Et la voix de Danny Whitten, passant après celle de Neil est carrêment géniale. Il tire sur ses cordes vocales et chante grave.

A partir de ce morceau, l'album prend une nouvelle dimension, et la face 2 contient plusieurs morceaux qui ont chacun un esprit ou un registre différent. Juste après ce morceau, on a "Mellow My Mind", magnifique morceau où Neil peine à souffler dans son harmonica et à chanter. Il se trompe, il va trop dans les aïgus et il est fatigué comme je ne sais quoi. Je pense plus particulièrement, au passage de 1 minute et 12, 13 secondes, où Neil se casse royalement la gueule, en essayant de chanter le refrain au plus haut. Ca fait rire, mais au fond c'est horrible. "Mellow My Mind", qui est dans un registre plus Harvestien (ex :Heart Of Gold), est le morceau qui représente le plus la peine et la tristesse qu'a ressenti Neil, lors de l'enregistrement de son album.

Le morceau suivant est "Roll Another Number (For the Road)", plus dans un registre Country style "Are You Ready For the Country?". Le genre de morceaux, dont je ne suis pas particulièrement fan, mais c'est toujours un plaisir d'en entendre un du genre.
Puis on enchaîne avec ma préférée de l'album : "Albuquerque", au nom quelque peu horrible, mais au contenu magnifique, sorte de mélange entre les solos de Dead Man avec Lapstyles et une touche d'Harvest.

Je ne vais pas m'étendre sur des années lumières, mais les morceaux qui suivent sont tous différents. On a la ballade intimiste ("New Mama"), le Rock Crazy Horsien ("Lookout Joe"), et une veine classique ("Tired Eyes") puis on termine comme je l'ai décrit au début de l'article, avec la deuxième partie de Tonight's the Night.

Cet album de 12 pistes pistes est exceptionnel. Car il montre une face cachée de Neil Young : Triste, Obnubilé, abattu, fatigué, à la limite de la non-chalance (c'est d'ailleurs pourquoi la maison de disque a d'abord refusé que l'album paraisse, pour ne pas déçevoir les fans). Avec le peu d'énergie qui lui reste, Neil Young tente d'atténuer le choc qu'il a eu en apprenant la mort de ses deux coéquipiers. Et essaye de combler le vide, et leur rendre hommage par la musique. Chaque fois que Neil prononce une parole, souffle dans son harmonica, on l'impression qu'il va s'effondrer, s'écraser, s'étaler par terre... Mais c'est justement ce qui fait le charme sombre de cet album, qui n'est pas une tache dans la carrière de Neil, comme diraient certains. Les quelques ballades qui ornent l'album essayent de cacher un peu la tristesse de l'artiste canadien portant le deuil de ses camarades. Mais rien y fait, l'album est sordide mais magnifique.

Un des albums les plus sombres de l'histoire du rock


Neil Young - Tonight's the Night (Part One) [4:43]

Neil Young & Crazy Horse - Come On Baby Let's Go Downtown (Live) [3:36]

Neil Young - Mellow My Mind [3:08]

Neil Young - Albuquerque [4:02]



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Tarkus

Jeudi 28 janvier 2010 à 21:17

http://10000visions.cowblog.fr/images/Pochettes/EmersonLakeTArkus.jpg
Emerson, Lake & Palmer - Tarkus (1971)
 
Par Brieuc
Mes Chers Amis, comme promis le blog continue et continuera jusqu'au plus loin possible (du moins, mon compère et moi l'ésperons). J'aimerais commencer cette année 2010 avec un groupe que je ne connaissais pas très bien mais il était obligé que je vous en parle.
Il s'agit d'un trio, non pas Crosby, Stills & Nash mais le fameux Emerson, Lake & Palmer.

Nous sommes en 1969 à San Francisco dans le Filmore West. En ce jour, The Nice et King Crimson se partagent l'affiche. Greg Lake, le premier bassiste-chanteur de King Crimson rencontre Keith Emerson, qui lui est le clavieriste de The Nice. Emsemble, ils imaginent déjà une collaboration future, un duo. Celle-ci prend forme l'année suivante, en effet les deux musiciens se réunnisent et cherchent un batteur : Ginger Baker (Cream) ou encore Mitch Mitchell (The Jimi Hendrix Experience) ont auditionné, mais la légende est restée gravée au sein des baguettes du jeune batteur des Crazy World of Arthur Brown puis d'Atomic Rooster : Carl Palmer. Le trio est formé et sortent un premier album en 1970 sobrement appelé de manière éponyme au nom de leur groupe. Jimi Hendrix s'est interessé à ceux que faisaient le trio britannique au point même qu'il envisagea d'être leur guitariste (imaginez ça). Les journalistes fantasmaient donc sur un éventuel quatuor appelé HELP (Hendrix, Emerson, Lake & Palmer), ça aurait dépoté mais en fait non ça s'est pas fait.

En 1971, ils sortent la perle de leur carrière Tarkus album à la pochette très kitsch et à la musique très kitsch aussi. Si vous possedez un jour le vynil, n'ouvrez surtout pas le Gatefold, un des plus affreux qu'on puissent voir. L'album relate l'histoire d'un rapace hérisson tank appelé le Tarkus, né d'une éruption dans un volcan. Il terrasse tous les affreux mi-monstres-mi-dinos-mi-animaux-mi-humains-mi-robots
Malgré cette pochette de mauvais goût et cette histoire carrêment affligeante, le contenu de l'album s'avère délicieux.
A commencer par la 1ere face, qui contient un seul morceau TARKUS découpé en plusieurs morceaux non très visibles par leur transition impeccable ne donnant aucun signe de changement. Ce qui est bizarre dans ce morceau, c'est qu'on passe d'une partie à l'autre de deux styles différents... je m'explique : On commence par exemple avec un morceau apocalyptique assez pompier puis on passe à une merveille, apocalyptique, merveille ect... Ce qui donne un morceau d'une vingtaine de minutes quelque peu illégale qui contient trois merveilles dûs à la voix de Greg Lake et 4 apocalypses dûs à la puissance du clavier d'Emerson.

Eruption démarre le morceau bien dans le style de E.L.P avec claviers à mi chemin entre insupportable et excellents de Emerson. Il symbolise la naissance du Tarkus, né d'une eruption de volcan, qui provoque l'éclosion de son Oeuf. Stone Of Years est sensationnelle, elle enchaîne Eruption avec brio, et on se concentre plus sur la basse/batterie, car Emerson ne nous fait pas part de ses galipettes sur ses claviers mais se contente de quelques gammes. Mais surtout Greg Lake avec sa voix me faisant écho à In the Court of the Crimson King, ceci donnant une beauté sensationelle au morceau. Rhhhhaaaa quel gâchis, on passe de Stone of Years à l'Iconoclast qui lui est pas très long mais très pompant. Mais non surprise! Mass revient (2eme morceau merveilleux) avec ses airs à la Hendrix mélangé à du KC, qui enchaîne sur des sortes de Whahaa que nous joue avec puissance Emerson, suivant la voix de Lake. Manticore est le morceau suivant avec lequel j'ai beaucoup de mal car il reprend l'aspect acopalyptique qui disparaît en fondu à l'apparition du fabuleux Battlefield 3 minutes de pur bohneur mélangeant cette fois ci toujours du KC mais avec du Pink Floyd (grâce à la guitare de Greg Lake faisant penser aux intenses solos de David Gilmour). Elle fait penser à des rémiscences aux pompes funêbres. On termine mal malheureusement avec Aquatarkus qui reprend le thème du début, un style qu'il faut apprécier, mais que moi-même j'ai du mal à apprécier. Tarkus est donc un morceau inégal, passant en fonction des parties (1 fois sur deux) du merveilleux à l'apocalyptique. 

La deuxième face n'a plus rien à voir avec la 1ere. On peut compter le honky-tonk Jeremy Bender et surtout les superbes The Only Way, Infinity Space mais surtout A Time and a Place morceau où semble condensée toute l'énergie du trio afin qu'il puisse trouver son équilibre. Surprise qu'est, le dernier morceau de l'album est Are You Ready Eddy? clin d'oeil à l'ingénieur du son des E.L.P le fameux Eddie Offord. Le piano fou d'Emerson cherche au fin fond d'un tiroir des ambiances rock'n'roll bourrain à la Chuck Berry. Ce qui donne un morceau non du tout progressif mais qui prouve comme le dit si bien Mr Prog "Qu'ils savaient déconner en studio".

La musique de E.L.P se caractèrise surtout par les solos infernaux de Keith Emerson, et sa continuité de rouler sur le claver synthétiseur mélant du YES à du Alan's Parsons Project par l'utilisation de différents claviers, comme le Moog, l'orgue Hammond ou encore l'orgue d'église. La basse, la guitare acoustisque et électrique et la fabuleuse voix de Greg Lake, qui est pour moi le meilleur chanteur-bassiste que King Crimson, mieux que Boz, John Wetton et Gordon Askell réunis. Il a prouvé son talent surtout dans le premier opus de KC dont je vous ai tant parlé. Et enfin le virtuose Carl Palmer, qui joue très bien mais son jeu est quelque peu caché par les claviers de son collègue.

N°1 en Angleterre et n°9 aux States, "Tarkus" confirme le statut commercial des Emerson, Lake & Palmer sur la planète Progressive/Pop en ce début des années 1970.

D'autres albums des E.L.P sont plutôt renommés tels que Brain Salad Surgery, Pictures at an Exhibition ou encore le fameux Trilogy à la pochette ultra culte. Mais cet album est très satisfaisant, interessant à écouter, à analyser... reste la pochette avec son gatefold affreux mais ça c'est un détail parmis tant d'autres. Ce n'est mes amis, que le début du spectacle des Progueux Keith Emerson, Greg Lake et Carl Palmer... Progressif oui mais plus kitsch tu meurs.


Playlist "Tarkus"
Emerson, Lake & Palmer - Stone of Years (Tarkus) [3:45]

Emerson, Lake & Palmer - Mass (Tarkus) [3:12]

Emerson, Lake & Palmer - Battlefield (Tarkus) [3:52]

Emerson, Lake & Palmer - Jeremy Bender [1:50]


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