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10, 000 Chroniques de Disques, Lives & autres.

Jeudi 23 décembre 2010 à 16:16

http://10000visions.cowblog.fr/images/Pochettes/TheWayofAllFlesh-copie-1.jpgGojira - The Way of All Flesh (2008)
Par Brieuc (et César)
Restons en 2008. Tout comme Kyuss (rien à voir, mais qui cependant planche sur un nouvel album avec la nouvelle formation !), autant commencer par le dernier album de Gojira, même si il ne sera bientôt plus très récent vu qu’il date de 2008. Mais The Way of All Flesh est bel et bien le chef-d’œuvre du groupe, la confirmation de leur death metal progressif technique particulier et de leur style unique qui ne se retrouve nulle part ailleurs. Qui est justement mon groupe métal de prédilection. Alors, autant en parler maintenant.
 
L'animosité se présente sur ce premier titre Oroborus (amalgame de fluidité et de brutalité). Une ouverture comme celle-ci ne se retrouve selon moi qu’en 2001, avec Clone ouvrant Terra Incognita qui possède une structure semblable. Le chant riche et désespéré est emporté par notamment les formidables parties Tapping de Joe Duplantier et la batterie de son Dieu frère Mario. Toute la splendeur de la musique du groupe se retrouve dans ces 5 minutes qui introduit l’heure Gojiresque que l’on vit. Le morceau se termine sur un petit moment clavier assez beau, s’en suit Toxic Garbage Island ayant pour thème la pollution (d’où le Plastic Bag in the Sea ! gueulé par Joseph en fin de morceau pour bien nous rappeler l’engagement du groupe quant au sauvetage de notre belle planète Terre) avec des passages très différents où l’on distingue la pure mélodie, le répétitif et le bordélique tenu par les contretemps à la Meshuggah s’alternant tour à tour et laissant les paroles s’incruster dans ce magnifique morceau où se retrouve par petites touches la ligne de clavier qu’on avait entendue sur Oroborus.
 
A Sight to Behold reste pour sûr le morceau que j’ai le plus écouté sur cet album, pourtant non apprécié par tout le monde. Ses mesures au Micro-Korg (remplacées par la basse de Jean-Michel Labadie en concert) et sa voix modifiée au Vocoder pour souffler des paroles incroyablement bien écrites. Mais je me tue à répéter que les paroles de Gojira sont incroyables, donc je vais arrêter de prendre le critère lyrique de leur musique. Mais ce morceau est purement génial.
Sur la violente Adoration For None arrive une voix qui nous est familière sans pour autant être celle de notre Joe adoré mais celle abominable du chanteur du Lamb of God: Randy Blythe, dont l’invitation n’est que additive au génial Thrash de ce morceau (ce caractère est visible grâce au jeu de guitare semblable a celui du duo Mark Morton – Willie Adler : guitaristes de Lamb Of God).
 
The Silver Chord renoue avec la tradition commune aux opus précèdents des 4 français, c'est-à-dire de se calmer un peu, de se poser pour rendre un instrumental répétitif ambiance toujours émouvant et jamais ennuyant (cf : Unicorn sur From Mars to Sirius, 04, 1990 quatrillions de tonnes ou le Ghost Track de Terra Incognita).
 
Yama’s Messengers, porte son message au Dieu Hindou sur la double pédale et la mélancolie d’une répétition très inquiétante. Mélancolique, comme deux autres très bons morceaux de l’album, à savoir Vacuity (qui devient maintenant le morceau le plus facile d’accès de Gojira) avec son rythme très saccadé, inspire presque au suicide jusqu’au refrain Borrow this body for a lifetime !. Tout comme All the Tears, qui donne presque des frissons par son agressivité tant par la batterie à la double/cymbales à foison et Blasbeat. Deux beaux morceaux, qui méritent bien leurs clips officiels, qui ne le sont pas moins.
 
The Art Dying est juste divine, 10 minutes époustouflantes - introduites par des petites percussions tribales rappelant le début du morceau éponyme de The Link (on remarque un énorme progrès depuis cet album, parfois apathique) – soutenues par un niveau de progression dans la musique à couper le souffle. Et pour ce qui est de Esoteric Surgery et de son You have the power to heal Yourself ! placé sur une mélodie répétitive particulièrement accrocheuse puis passant à un rythme au groove que j’adore carrément.
Sans trop m’étendre, l’album termine sur le morceau titre The Way of all Flesh (après être passé sur Wolf Down the Earth ) qui démarre en trombe avec la basse de Jean Michel et la batterie véloce de Mario pour nous laisser baver sur un morceau très cinglant terminant au bout de 6 bonnes minutes, afin de laisser l’album s’éclipser sur une note larsenifiée puis après 10 minutes de long silence sur des improvisations ambient à la guitare faisant office de Ghost Track.
 
C’est sur ce climat que se termine ce recueil de 12 morceaux parfaits dans tous les recoins de Gojira, clôturant ainsi leur 4e album au service de leur Death Metal Ecolo unique et magnifique. Un album fascinant – tout comme l’artwork réalisé par les frères Duplantier - que je ne me lasse d’écouter, tant par sa richesse dans les paroles traitant de la vie et de la mort qui ne méritent juste que d’être publiées dans un livret de poèmes, et de leur musique technique qualifiant le niveau musical exceptionnel de 4 musiciens extraordinaires.

Gojira - Oroborus [5:21]

Gojira - A Sight to Behold [5:09]

Gojira - Esoteric Surgery [5:44]





 

Mercredi 25 août 2010 à 20:30

http://10000visions.cowblog.fr/images/Pochettes/hawkwindhallf.jpgHawkwind - Hall of the Mountain Grill (1974)
Par Brieuc
Avant d’officier en tant que mentor et bassiste/chanteur du génial groupe Motörhead, faut pas oublier que Ian ‘Lemmy’ Kilmister a joué de son instrument dans un groupe britannique considéré comme Prog, mais qui évoluera logiquement vers l’éléctronique puis le mouvement techno mais influencera pas mal la vague néo-psychédélique. Selon mes opinions, la meilleure période de Hawkwind se situe entre l’arrivée et le départ de Lemmy en 1975, viré parce qu’il n’était pas tellement dans le trip psychédélique du groupe.

 Nik Turner a fait pas mal d’efforts, même quand il s’est de plus en plus penché vers le planant mais n’égalera jamais ce qu’il a fait avec ses compagnons dans les premiers albums, tels que In Search of Space (1971) avec le succès commercial du 45 tours Silver Machine chanté par Lemmy en personne. Mais aussi avec le double album live prodigieux Space Ritual (1973) qui va venir immortaliser les énergiques prestations scéniques du groupe avec textes hallucinés déclamés par le poète Robert Calvert et l’auteur de science-fiction Michael Moorcock ou encore participations de la danseuse Stacia (aux seins nus, on voit du coup de quel point Lemmy est parti pour mettre maintenant des strip-teaseuses pour quelques uns de ses concerts avec Motörhead) au point d’en faire un spectacle total.

Après une légère déclination, le groupe se ressaisit très vite avec ce qui est pour moi leur meilleur album Hall of the Mountain Grill en 1974 considéré comme le meilleur album de la carrière du groupe britannique. Peut-être le plus abouti, le moins sauvage et même le plus planant du groupe. The Psychedelic Warlords donne le ton de l’album avec un Rock sauvage illuminé par le saxophone de Nik Turner. Mais ce n’est pas le meilleur s’en suivent des morceaux de différentes mentalités. Même si You’d Better Believe it reste dans la veine du premier morceau avec 7 minutes d’énergie considérable. De mon côté, le morceau qui m’a révélé Hawkwind reste et restera toujours le morceau titre, court mélancolique et atmosphérique instrumental composé par le nouveau violoniste/claviériste Simon House où une ligne de piano accrocheuse se fait accompagnée par une montée en puissance du mellotron. Incroyablement magnifique.

Wind of Change (aucun rapport avec le morceau de Scorpions) est également magnifique, un violon aérien s’échappe d’une mer de chœurs et de Mellotron pour accoucher d’un pur ovni. J’associe souvent le génial D-Rider au morceau terminant la 2e face, c'est-à-dire Paradox car les premiers accords de guitares se ressemblent énormément pour ne pas dire qu’ils sont identiques. Lemmy joue exceptionnellement de la guitare sur Lost Johnny où l’on peut déceler la puissance de Lemmy qu’il exercera par la suite dans son groupe avec sa basse imposante de ce dernier et sa voix (qui s’est métamorphosée par la suite, mais qui est très reconnaissable par moments, notamment dans ce morceau).

C’est du Rock purement cosmique, toujours planant (de courts instants comme dans le morceau Goat Willow avec l’orgue de Dave Brock), d’excellents musiciens sachant alterner leurs instruments habituels avec des claviers ou d’autres bidules pour rendre leur musique totalement unique, modifiant leurs voix et testant de nouvelles techniques, utilisant du synthétiseur récent sans faire kitsch et mettant des effets rappelant Klaus Schutze, le tout accompagné d’une batterie impressionnante de Simon King. Un disque novateur, mais pourtant discret.

Hawkwind - The Psychedelic Warlords [3:40]

Hawkwind - Wind of Change [5:08]

Hawkwind - D-Rider [6:14]

Hawkwind - Hall of the Mountain Grill [2:14]


Lundi 12 juillet 2010 à 22:04

http://10000visions.cowblog.fr/images/Pochettes/matchingmole.jpgMatching Mole - Matching Mole (1972)
Par Brieuc
  Agacé des expérimentations vécues au sein du Soft Machine, le chanteur/batteur Robert Wyatt s’écarte de ses compères pour s’attaquer à une carrière solo à partir de 1971. Il sortait un premier album solo avant-guardiste intitulé The End of an Earn (1970) pourtant très expérimental lui aussi, voire déroutant. La nouvelle idée est donc de s’orienter vers une pop rafraichissante changeant des longs instrumentaux aventureux de Soft Machine depuis Third.

Le nouveau projet qu’il aborde avec David Sinclair - claviériste virtuose ex et futur du groupe Caravan – est un groupe clin d’œil mi-malicieux et mi-ironique à son ancien groupe : Matching Mole (Soft Machine > Machine molle > Matching Mole ; vous pigez le truc ?). Avec le duo, s’accompagne de l’ex-guitariste de Delivery Phil Miller ainsi que le bassiste Bill Mc Cormick, ancien membre de Quiet Sun.

Malgré de bonnes attentions, le premier album de 1972 va finir par prendre à contre-pied ces louables intentions pop-music en accouchant d’une musique en partie instrumentale où des improvisations prennent une grande place au gré d’un Jazz-Rock très excentrique alternant passages brillants très progs sur des passages hermétiques.

« O Caroline » donne le ton de l’album, sublime chanson d’amour traversée d’une mélodie à la magie enfantine et où David Sinclair (à qui on doit l’écriture du morceau) transporte une ligne de piano antipathique sur des textes de Robert Wyatt, écrits pour son ex-petite amie.
On découvre vite que l’ensemble est étrangement à peine moins expérimental que le premier album solo de Wyatt. Seuls deux morceaux tiennent leurs promesses, à savoir le premier que je viens de vous décrire et « Signed Curtain », réellement pop et diaphanes, mais celui-ci s’appuie sur un texte totalement absurde (« Ceci est le premier couplet… Ceci est le refrain ou peut-être est-ce un pont… on s’en fout, cela ne fait pas mal »)

Robert Wyatt force carrément sa voix en incantant des phonétiques sur le morceau « Instant Pussy » provoquant un choc quant à la première piste. Et la face 1 prend sa fin sur les 9 minutes en parti improvisées de « Part of the Dance ».

La 2e face progresse avec l’omniprésence de la guitare électrique de Phil Miller qui prend le desssus dès « Instant Kitten » pour enchaîner sur une référence directe au morceau composé par Hugh Hopper (bassiste et saxophoniste des Soft Machine) sur le volume 2 : « Dedicated to Hugh, but you weren’t Listening » renforcant encore plus le caractère progressif de la chose. Pour en arriver jusqu’à le lourd Rock Expérimental « Beer As In Braindeer »…
L’album se termine sur un « Immediate Curtain » immédiatement dominée par le mellotron presque solo, Robert Wyatt se contente d’en faire un magnifique déluge 6 minutes durant illuminées par quelques touches d’orgues.

Avant même la sortie de l’album, David Sinclair (qui intellectualise vachement la musique) se fait la malle à cause du résultat, n’étant pas à l’atteinte de ses ambitions. Il est immédiatement remplacé par Dave Mc Rae (qui jouait déjà du piano électrique sur des morceaux comme Instant Pussy, Part of the Dance ou Beer As in Braindeer).

Après ça, ils abandonnent l’idée amorcée de faire de la pop, pour enregistrer Matching’s Mole Little Red Record (produit par Robert Fripp, gratteux constant de King Crimson) qui ne révèle encore moins de pop que le précédent, voire même pas du tout. Et c’est là que se termine la brêve carrière des taupes correspondantes, laissant Robert Wyatt (qui, lassé de sa responsabilité de leader, n’écrivait d’ailleurs sur le deuxième album, que de rares pauvres textes) sur sa partie solo, intégrant Françis Monkman (ex-Curved Air), Billy Mc Cormick (du coup, ex-Matching Mole…) et le saxophoniste Gary Windo. Lors d’une fête excessivement arrosée, le 1er jour de Juin 1973, Wyatt tombe du 3e étage de l’immeuble où se déroulait l’évènement. Le clouant donc dans un fauteuil roulant, dans lequel il enregistrera - la même année - son chef-d’œuvre absolu : Rock Bottom – mais ça c’est une autre histoire.

Du moins, cet album est excessivement attachant et très émouvant par moments, le genre de rock progressif qui procure beaucoup d’émotions




Matching Mole - O Caroline [5:05]

Matching Mole - Signed Curtain [3:06]

Matching Mole - Part of the Dance [9:16]



Vendredi 21 mai 2010 à 10:48

http://10000visions.cowblog.fr/images/Autre/rockandfolk1.jpg
Ce mois-ci, la rédaction du magazine Rock & Folk s'est attaquée au Rock Progressif. Bonne initiative j'ai envie de dire, d'autant plus que leur dossier est vachement bien foutu. Il est composé d'abord d'un édito sur le Prog, où ils donnent une de ces définitions! Mais vraiment géniale, on ne peut pas mieux décrire ce tel mouvement musicale en un paragraphe. S'en suivent un article plutôt compliqué mais bien ficelé sur le premier album des King Crimson In the Court of the Crimson King (1969), qui est mon album favori de prog.

Pour finir, ils établissent une discothèque idéale concernant les albums de prog (on peut noter du Pink Floyd, Jethro Tull, Van Der Graaf Generator, Matching Mole, Caravan, Soft Machine ou encore Gentle Giant) et explore quelque peu les horizons progressifs d'aujourd'hui (avec Origin of Symetry de Muse, OK Computer de Radiohead...).
Donc le dossier est magnifiquement bien foutu, et je me permets de vous écrire les quelques lignes rédigées par Pacome Thiellement :

"Le terme Rock Progressif découle du mythe dix-neuvièmiste du progrès. C'est l'idée que, non seulement, en travaillant bien, on fera mieux que ce qu'on fait nos prédécesseurs mais que, en plus, cette amélioration est inéluctable : elle aura lieu de toute façon. C'est une hypothèse très discutable, contraire à toute pensée traditionnelle (la lecture cyclique de l'Histoire) mais éventuellement fructueuse dans le cadre d'une création artistique, ne serait-ce que comme Tonic. Concrètement, ça veut dire : Déployer des parties internes très différenciées, avec des enchaînements innatendus et des accents Free-Jazz. Confier les textes à des poètes. Faire vombrir les Mellotron et customiser les guitares pour qu'ils et elles sonnent comme des orchestres fulminant. Abuser grave de la flûte traversière pour emporter les auditeurs comme des enfants - ou des rats - loin de leur village natal... Enfin, jouer des accords imprenables dans des tempos impossibles et faire ainsi ressurgir le diable, suivi d'une tripotée de gnomes comiques et ridicules. Mais derrière ce bric-à-brac mi-médiéval mi-saturnien, quelle musique : Le Rock Prog invente une forme imprévue d'intensité, impliquée par cette nouvelle donnée de départ. L'auditeur est pris dans une transe non répétitive. Les rythmes deviennent conscients. Violons et Synthétiseurs errent comme des chiens sauvages à la surface de son âme. Les petites voix trafiquées l'incitent à un dépassement permanent. L'homme sent le morceau monter en lui et parfois s'extraire de son propre corps comme une bête de film d'horreur. Le Rock Prog veut ressembler à un elfe ou à une fée mais, dans ses meilleurs moments, c'est à un monstre boursouflé qu'il fait penser. En lui, Saint Georges mute avec le dragon qu'il comptait équarrir, et un roi apparaît, élégant et glauque, faisant la somme de leurs puissances. Ce Roi, c'est King Crimson, qui est le visage en miroir du schizophrène du 21e Siècle. Un groupe actuel aussi grandiose que Sleepytime Gorilla Museum - croisant les influences de Marinetti, de Unabomber et de Robert Fripp - en est l'indice. Nous avons encore besoin du Rock Progressif, de ses mythes hypothétiques et de ses réminiscences à la lisière du kitsch, mais surtout nous avons encore besoin de la cour, flamboyante et dévastée de King Crimson pour situer poètiquement notre place sur la Terre."
 

Si quelqu'un me définis mieux le genre, il aura un sandwich au poulet.
Donc au délà d'avoir une pochette immonde (en même temps Rock & Folk oblige malgré son contenu à contre-sens) et ses éloges de Courntey Love et Keith Richards plutôt réussies, ce dossier sur le Prog est tout simplement génial et je vous invite à vous le procurer vite fait! 

Et puis tiens si vous avez du temps devant vous: la première partie oeuvre novatrice dans le Prog de Mike Oldfield, dans l'album du titre éponyme (sorti en 1973). William Friedkin reprendra le thème pour son Exorciste.

 Mike Oldfield - Tubular Bells (Part One) [25:30]


http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/0/0d/Mike_oldfield_tubular_bells_album_cover.jpg
 

Jeudi 25 février 2010 à 11:32

http://10000visions.cowblog.fr/images/Pochettes/jethrotullaqualung.jpg
Jethro Tull - Aqualung (1971)
Par Brieuc
Jethro Tull était et reste encore une bande de chevelus du rock progressif, décrivant certains aspects de la société, comme l’hypocrisie ou l’avarice tout en dénonçant la religion organisée (sectes). A l’époque, il était composé du grand Ian Anderson : chanteur, flûtiste (traversière) et guitariste acoustique (un grand artiste complet en somme, sans qui Jethro Tull ne serait pas grand-chose) ainsi que Martin Barre aux guitares électriques, John Evan aux claviers (Orgue, Piano, Mellotron), Jeffrey Hammond à la basse et Clive Bunker à la batterie.

La musique de Jethro Tull, est d’alterner des mélodies Folk avec des sonorités médiévales tout en la rendant progressive. Elle caractérise surtout par un point : les solos de flûte traversières que nous offrent Ian Anderson en plein morceau, ce qui nous rappelle vaguement les débuts de King Crimson.

Après Stand Up (1969) qui est un très bon album que j’ai hésité à vous chroniquer (car il contient de bons titres comme le classique de Jethro Tull : « Bourée ») et Benefit (1970) qui restent tous les deux dans un répertoire marqué par les origines Blues du groupe, apparaît en 1971, Aqualung. Et là, le groupe va carrément devenir un des leaders du rock populaire en ce début de décennie, alors que la concurrence est particulièrement rude.

L’album est composé en deux parties à savoir Aqualung puis My God. Ma préférée reste toujours la première. Non seulement pour ses titres différents et originaux des uns des autres. Comme le titre ouvrant l’œuvre, au titre éponyme de l’album : Aqualung, qui démarre durement par des sonorités Hard-Rock dues aux riffs de guitare de Martin Barre. Mais si on ne se fie qu’a la première minute, on n’entend pas le véritable esprit du morceau. C’est dès le 2e minute que le rythme change, et on tombe sur une ballade Guitare Acoustique/Piano où Ian Anderson murmure des paroles dans une sorte de mégaphone. Puis à la 3e minute, on passe à du vrai Jethro Tull, mélangeant les styles différents des deux premières minutes. Et le morceau dure 6 minutes trente. On nous offre un solo de guitare électrique. Dans les deux dernières minutes, on retrouve les mêmes mélodies que les deux premières mais inversées. Le morceau termine donc sur une touche ballade puis sur une touche Hard-Rock. On peut donc remarquer sa structure.

Mais la meilleure de l’album reste le second morceau Cross-Eyed Mary, qui démarre par une intro limite inquiétante par ses montées magnifiques de flûtes traversières pendant une minute. Et on passe à un génial rock digne du Tull puis un excellent solo de flûte traversière suivit d’un solo de guitare. Leur morceau le plus construit et le plus recherché musicalement

Puis après une joyeuse petite ballade Folk (Cheap Day Return) on a un morceau toujours joyeux Folk, Mother Goose mais cette-fois ci caractérisée par sa Flûte traversière omniprésente, Wond’ring Aloud toujours dans la même lignée mais sans la flûte. Et on termine la face, avec le morceau le plus jouissif de l’album réunissant Médiéval, Folk, Hard Rock avec solos de Martin Barre et de Ian Anderson à la flûte : « Up To Me » qui résume le plus le style de l’album. La première face est nettement meilleure que la deuxième, mais cela ne veut pas dire que la deuxième est mauvaise. Au contraire « My God » est très baroque voire même plus ambitieux.

Le premier morceau de la face My God est découpé comme  Cross-Eyed Mary, mais je préfère cette dernière. Même si la flûte, la guitare (façon Led Zeppelin) et le piano y sont sublimes. Puis passe à une partie quelque peu instrumentale accompagné par un cœur qualifiant son style de baroque, servant de décors à la partie flutiste. Avant qu’Ian se remette à chanter avec le style Hard du milieu de la chanson.

Très rock, très entraînant et très électrique : Hymn 43, change le genre, et finit en Crescendo. Puis après une courte ballade Folk (SlipStream), on repasse à du rock éclectique avec Locomotive Breath, un tube aux Etats-Unis. On finit l’album avec un morceau créant de manière talentueuse, un épilogue voire même une synthèse de l’album. Wind Up montrant que le groupe est dans une inspiration de tous les instants, combinant toutes les influences du groupe.

Mais cette voix ! Celle, presque nasillarde d’Ian Anderson, clamant des textes, qui se font particulièrement incisifs, riches et percutants, évoquant l’histoire d’un clochard exhibitionniste ou adressant une critique aussi féroce que judicieuse à la religion organisée et ses malsaines hypocrisies.

Ce dernier thème nourrit en fait l’essentiel du propos des 5 derniers morceaux. Certains s’empressent alors, de qualifier Aqualung (au grand dam d’Anderson), de considérer cet album comme concept qu’il ne l’est évidemment pas. Le flûtiste/chanteur écrira alors un vrai, un long, gonflé d’ambition et de complexité musicale. Thick As A Brick, un excellent album composé de deux morceaux, se traduisant par « Bête comme ses pieds ».

Quand Progressif et Médiéval font bon ménage.




Jethro Tull - Aqualung [6:37]

Jethro Tull - Cross-Eyed Mary [4:09]

Jethro Tull - Up To Me [3:15]

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